William Parker e os Olmecas

Dei comigo a matar saudades de um álbum que já há algum tempo faz parte da minha colecção - "Long Hidden: The Olmec Series", de William Parker (AUM036) e que, acho, merece ser aqui referenciado. William Parker, já por mim mencionado neste blogue, é um músico com uma amplitude musical do tamanho do Mundo e uma visão do tamanho do Universo, passado, presente e futuro. Basta apreciar a sua vasta produção musical, para se perceber a sua constante labuta na interligação das várias correntes musicais, numa captação de energia e espiritualidade de ordens tão diversas, com resultados tão espantosos como este exemplo que hoje aqui deixo. Como é possível juntar contrabaixo, saxofones, percussão, acordeão, doson ngoni, congas, tímbales, sons do Mali e dos Olmecas (antepassados dos Maias e dos Astecas), sem trair as suas origens, e continuar a soar a jazz? A maioria da música de fusão que conheço atraiçoa de forma intragável a alma das suas convocações. Mas, se, conforme W.Parker explica, existe uma ligação ancestral entre os povos da costa ocidental de África e os da América Central, já que os Olmecas falavam um dialecto mandingo, e tendo o jazz origens afro-americanas, talvez resida aqui a resposta para esta feliz conclusão.

Para ouvir excertos, procurar W.P. aqui , onde se podem encontrar ligações para outros lugares em que se fala desta obra e do seu autor.

Ennio Morricone - O Bom, o Mau e o Vilão

Não tenho dúvidas: A banda sonora do filme de Sergio Leone, "Il Buono, Il Brutto, Il Cattivo" (1966)é das melhores e mais peculiares de todos os tempos. E ouvi-la sem ver o filme não lhe tira nada, ao passo que o contrário, o filme sem ela perderia muito. Porque se este filme é magnífico, deve-o, sobretudo, ao brilhante realizador Sergio Leone (Roma,1929-1989), à excelente escolha de actores e sua impecável interpretação, e ao compositor Ennio Morricone (Roma,1928-) que conseguiu, nesta banda sonora, utilizar todos, e somente esses, os sons que traduzem as memórias das pradarias do Oeste Americano, dos seus pistoleiros, do Western que nos habituámos a ver desde sempre, na TV e no Cinema, aqui estilizados e eternizados. O mesmo diria do filme em si, já que, sem desperdício, cada uma das suas imagens eterniza e presta homenagem ao velho Western do cinema americano, e de tal forma lhe vai à essência que lembra uma caricatura muito bem esgalhada daquelas que conseguem retratar tudo o que interessa do objecto retratado - nem mais nem menos - somente isso, que é tudo.
Nunca gostei muito de westerns nem tão pouco sou grande apreciadora do estilo musical de Ennio Morricone, mas não tenho dúvidas de que tanto ele como Sergio Leone, para além da sua histórica colaboração, foram, são e serão sempre dois magníficos, cada um no seu género e os dois em conjunto.

Os 60 anos de idade do HCP

O Hot Clube de Portugal festeja os seus 60 anos de idade este ano. Por motivos conjunturais da minha vida, tenho ultimamente andado arredada desse local que constitui um dos poucos de passagem obrigatória, nos meus programas de saídas nocturnas em Lisboa. Sempre gostei do espaço que, embora pequeno e se calhar por isso mesmo, tem tudo a ver com o espírito do jazz. São as memórias dos sons, do espírito e da respiração dos que por lá passaram e passam, músicos ou espectadores que enchem aquela cave e pátio ao ar livre de uma onda intimista e de partilha de uma mesma paixão: O Jazz! A programação é, regra geral, bastante interessante. Ontem, por exemplo, passaram por lá Donny McCaslin (Sax) e George Schuller (Bat).

Para mais informação, consultar o blog Jazz no País do Improviso , de João Moreira dos Santos, ler o seu livro "O Jazz Segundo Villas-Boas", publicado pela Assírio & Alvim, ou ir ao site do HCP .

Longa vida ao Hot Clube de Portugal e à sua Escola!

Prémio Blogger del dia

Está na hora de passar o prémio com que este blog foi distinguido, há uns dias atrás, pelo prezado Tónica Dominante. E se algum blog o merece é o do meu amigo Valkírio, pelo bom gosto, cultura e profunda sensibilidade artística.

Toru Takemitsu (1930-1996)

Já me tinha apercebido, há uns anos atrás, provavelmente através de cds que acompanham algumas revistas de música clássica que habitualmente compro, da importância deste inspirado nativo de Tóquio. Finalmente, decidi avançar um pouco mais na audição da sua obra, e, adquiri um duplo de composições para orquestra, que aconselho a quem tenha curiosidade de o conhecer. E fiquei conquistada. Notam-se, de facto, como Takemitsu, ele próprio, admitia, influências de Debussy, Webern, Schoenberg, Varése, Messiaen e até um pouco de Cage. Mas tudo convertido para algo muito mais melódico, encantatório, sugerindo matizes cromáticas, com mesclas sonoras orientais, que ele usa com muita subtileza e suavidade. O tema "Spirit Garden"(1994), da referida compilação, resume bastante bem o que acabo de escrever.

Autodidacta, começa a compor aos 16 anos, só tendo recebido algumas lições de música aos 18 anos. Ao contrário do que se poderia supor, a sua música tem muito mais influências ocidentais do que orientais, porque dizia que os sons da música tradicional japonesa lhe lembravam a guerra que lhe havia sido tão dolorosa. No entanto, graças a Cage, com quem partilhava filosofias idênticas, (por ex. a noção de silêncio, para Cage, era um plenum ao invés de um vacum, ou o enfâse nos timbres entre cada acontecimento sonoro), e ao seu interesse pela prática Zen, começou a trabalhar na introdução de elementos da cultura japonesa nas suas composições. A peça "November Steps"(1967) é disso exemplo, ao juntar à orquestra dois instrumentos japoneses: o biwa e o shakuhachi de sonoridades em absoluto deslumbrantes, embora os seus sons não se misturem com o resto da orquestra, sendo tocados em alternância com esta. Só mais tarde, e tendo aprofundado entretanto, os seus estudos sobre música japonesa, Takemitsu viria a integrá-los, de facto, no conjunto orquestral (com a peça Autumn - 1973).

Por curiosidade, refiro que Stravinsky, numa sua visita ao Japão, em 1958, descobre, por acaso, Takemitsu, através da audição da peça Requiem para cordas (1957), que muito apreciou, tendo talvez sido indirectamente responsável pelo lançamento deste no mundo cultural ocidental. A água, o mar e, principalmente, os jardins históricos japoneses são os principais motivos de inspiração na obra de Toru Takemitsu, de quem se diz ser o compositor japonês mais conhecido e admirado em todo o mundo.

Para saber mais sobre o cd-duplo, consultar aqui. E o preço é uma óptima surpresa.

Angela Hewitt

Bach - Prelúdio e Fuga em Sol Menor, nr.16 - BWV885

É espantoso, para não dizer, vergonhoso, que em concertos de música clássica não se respeite o silêncio. Sei que nem sempre é fácil evitar espirrar, tossir ou pigarrear, mas é possível (falo por mim) evitar emitir esses sons, com alguma concentração e auto-domínio. Transcrevo aqui as impressões desta fabulosa pianista e cravista canadiana, quando do seu último recital em Portugal. O vídeo não é do citado concerto, nem possuo elementos que me permitam identificar o local ou a data do recital. Quem o colocou no YT não prestou essas informações. Sorry!
Bach in Lisbon (2008-02-14)
I just finished playing my Bach marathons here in Lisbon, Portugal. It was the third time I have performed as part of the Piano Series in the Auditorium of the Gulbenkian Foundation. The large audience was on its feet at the end of Book II. When I started the first concert, the coughing was terrible, and then in the first pause after the fourth Fugue, a man in the audience yelled out something in Portuguese which of course I didn't understand, but for sure everybody heard it! I was later told that he said what I thought he had said: "Stop coughing so we can hear the music!" because after that they were considerably quieter. I hate to go on about that, but it makes such a huge difference not just to how I feel, but to the whole atmosphere in a hall. Silence is golden. A lot of coughing, I am sure, comes from a lack of concentration on the part of the listener. Enough about that. For the first time, I had a few hours to see something of Lisbon and the surrounding area, and the weather was warm and sunny. A quick trip to Sintra and along the coast with friends was very enjoyable. My former piano teacher, Jean-Paul Sevilla, came all the way to Lisbon for these concerts, and I was very happy to have him present in the hall.
(Angela Hewitt - no seu site oficial)

Herbie Hancock ganha Grammys 2008 - Melhor Álbum

Já se esperava e aconteceu. Ganhou e com mérito, dentro do género - Herbie Hancock, que dispensa apresentações, afirmou-se com a sabedoria de quem está nestas coisas há muito tempo e sempre na linha da frente. Pegou no "cancioneiro" de Joni Mitchell e reformulou-o, com a sua (dela) participação num dos temas - para mim, o melhor do álbum, Tea leaf prophecy-, e participação de outras figuras interessantes (umas mais do que outras) da música popular americana - Tina Turner, Luciana Souza ou Leonard Cohen, por exemplo, ou Corinne Bailey Rae e Norah Jones (enfim...). Acho que foi uma atribuição justa, pelo reconhecimento da incontestável capacidade deste mestre em manter-se estóico guardião de um jazz clássico e, em simultâneo, sem fronteiras. Ratifico.

Kahil El Zabar

Um dos percussionistas e compositores mais presentes nas toadas neo-Africa e de vanguarda do jazz dos nossos dias. Um homem que gere uma música sem fronteiras, quer geográficas, quer temporais. De ritmos melódicos, muito inspiradores para os músicos com quem toca, Kahil é, como se diz, um incontornável para os amantes do jazz evolutivo que busca as suas raízes para, sobre elas, lhe aplicar as fórmulas do todo-o- sempre-e-do-que-mais há-de ser. Porque ouvi-lo é ficarmos a pairar noutros espaços. E não há como fugir ao sortilégio de ouvi-lo com David Murray, Ari Brown, Malachi Favors, Pharoah Sanders, ou Billy Bang.

Nasceu em Chicago, a 11 de Novembro de 1953. Ver mais dados biográficos no seu site.

É dos músicos que actualmente mais me agradam, e que aconselho a quem goste de acompanhar a evolução do jazz e ver as formas que pode assumir.

SUNDANCE '08 - MY PREMIERE: PATTI SMITH: DREAM OF LIFE

Realizado por Steven Sebring, o documentário Patti Smith: Dream Of Life acaba de ser estreado e premiado no Sundance Film Festival (Utah, E.U.A.). Parece ser uma condigna homenagem à Grande Patti. Espero poder vê-lo um dia destes.

Mose Allison

Mose John Allison Jr. Nasceu em Tippo, Mississippi, E.U.A., em 1927. Influenciado e encorajado pelo seu pai, que tocava piano, stride, Mose, ainda muito jovem, já compunha peças estilo boogie woogie ao piano. Nascido e criado em ambiente rural, ligado à cultura do algodão, Mose assimila os blues rurais, que irão estar sempre, ao longo da sua vida, na base das suas composições. Aos cinco anos de idade já tocava algumas coisas "de ouvido", e as suas principais fontes de inspiração eram Louis Armstrong, Fats Waller, Duke Ellington, Louis Jordan e Nat Cole (King Cole Trio).
Interrompe os seus estudos universitários para ir à tropa, em 1946, tendo tocado na banda das forças armadas e em pequenos grupos que actuavam em clubes de oficiais do exército. Regressa ao velho Missisippi, onde toca piano e trompete e faz arranjos para o grupo de baile, que depressa deixa para formar o seu próprio grupo. Na altura, o seu estilo revela-se muito próximo de Nat Cole, Louis Jordan e Erroll Garner. Depois de um ano em digressão, casa-se e regressa à Universidade, onde, em 1952, finaliza as licenciaturas em Inglês e Filosofia.
Trabalhou em diversos clubes nocturnos, misturando os blues da sua infância com as influências pianísticas modernas de John Lewis, T.Monk e Al Haig, e vocais dos cantores de blues Percy Mayfield e Charles Brown.
Em 1956, emigra para Nova Iorque, onde a cena jazz estava em foco, tocando com diversos grupos, e, em 1957 grava o seu primeiro disco para a Prestige Records, Back Country Suite,

uma colecção de peças evocativas do Delta do Mississipi, unânimemente aclamado pela crítica. Gravou e tocou com outros grandes músicos de jazz, como Stan Getz, Al Cohn, Zoot Sims e Gerry Mulligan e com o seu próprio Mose Allison Trio.
As suas músicas são uma mistura de jazz com blues rústicos. Enquanto pianista, tanto foi um admirador de mestres como Bud Powell e Lenny Tristano, como de compositores como Bartok, Ives, Hindemith e Ruggles. É na fusão destes diversos elementos que se gera a sua música até aos dias de hoje.
Nos anos 60, em Inglaterra, muito apreciado principalmente por músicos da área rock, foi considerado uma referência para muitos grupos que então surgiram, "The Who", "The Yardbirds", John Mayall, por exemplo. E as suas músicas foram e são interpretadas por nomes famosos como Van Morrison, Jack Bruce ou Elvis Costello, entre muitos outros.
Ao longo da sua já longa carreira, Mose tem vários albuns gravados, compôs recentemente a banda sonora do filme "The Score", com Robert DeNiro e Marlon Brando, foi nomeado para um Grammy com o álbum "Mose Chronicles, Live in London, Vol. I" (Blue Note Records), e afirma que continua em busca da perfeição, o que, para os seus fans, há muito foi conseguido.
Por curiosidade, uma filha sua, Amy Allison, também se dedica à música.
Porque falo de Mose Allison? Porque fiquei "presa" do seu álbum de estreia, cuja capa acima reproduzo e onde posso sempre voltar que nunca me desaponta. A minha intenção de colocar aqui as faixas 1 e 4 do dito ficaram goradas, por conta de direitos de autor. O que eu acho é que são "mal agradecidos", porque isto é/seria publicidade de borla. Não preciso de me alongar sobre este assunto, mas há coisas que não fazem muito sentido, nesta luta pela defesa dos citados direitos.